Antoine Joseph Wiertz, Dinant 1806 - Brüssel 1865
Hunger, Wahnsinn und Verbrechen / Hunger, Madness and Crime / Faim, folie et crime (1853)
Antoine-Wiertz-Museum, Brüssel-Ixelles, Belgien
Dieses Werk von Antoine Joseph Wiertz fordert eine gewisse psychische Standfestigkeit des Betrachters, denn das kleine Beinchen im Kessel wird wohl niemand so schnell vergessen. Dazu kommt der irre Blick der Mutter und der eigentlich letzte Anstoß für die grausame Tat: ein Steuerbescheid links unten in der Ecke („Contributions“).
Antoine Joseph Wiertz hatte eine Vorliebe für grotesk überzeichnete Horrorszenarien, aber trotzdem - oder gerade deshalb - war den belgischen König Leopold I. sein größter Bewunderer, der ihn auch finanziell unterstützte und ihm 1850 in Ixelles bei Brüssel auf Staatskosten ein großes Atelier bauen ließ. Die Baupläne entwarf Wiertz persönlich, denn das Atelier wurde für seine riesigen Gemälde konzipiert. Es blieb bis zu seinem Tod 1865 in seinem Eigentum und danach erbte das belgische Königreich sein gesamtes künstlerisches Werk nebst Atelier. Seit 1868 ist das Antoine-Wiertz-Museum in Ixelle Teil der Königlichen Museen der Schönen Künste, findet aber wegen der grausamen Darstelllungen wenig Publikumsinteresse.
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Arnold Böcklin, Basel 1827 - San Domenico bei Fiesole 1901
Astolf reitet mit dem Haupte Orills davon / Astolf riding away with the head of Orill (ca. 1873)
Die Darstellung wurde inspiriert von Ariosts Epos "Orlando Furioso" (15. Gesang, Strophen 80–84). Böcklin zeigt den Moment, als der herzogliche Ritter Astolf vor dem Ungeheuer Orill flieht, dem er den Kopf abgeschlagen hat.
Quelle: Kunstmuseum Basel
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Astolfo possesses various magical equipment which he employs throughout his adventures. His magic lance can knock his opponents from their horses with the slightest touch, and his magic book contains spells capable of breaking any enchantment. He rides upon a magical horse named Rabicano which is made of hurricane and flame, feeds on air and it treads so lightly that it doesn't leave footprints in the sand, and when it runs at full speed it can run faster than an arrow. He defeats Orill, a robber who could not be killed because he was enchanted to regenerate from any wounds he received. Even severed limbs would reattach themselves.
Source: Wikipedia
Tags: Schwarze Romantik Dark Romanticism in Art Kunstmuseum Basel Astolf Riding Away with the Head of Orill
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Arnold Böcklin, Basel 1827 - San Domenico bei Fiesole 1901
Die Toteninsel, 1. Fassung 1880, Kunstmuseum Basel
Die Toteninsel ist der Name von fünf Gemälden Arnold Böcklins mit dem annähernd gleichen Bildmotiv einer zypressenbestandenen Insel. Sie entstanden zwischen 1880 und 1886. Das Bildmotiv ist das wohl bekannteste des Malers und hatte zugleich eine vielfältige und andauernde Wirkungsgeschichte. Des Weiteren wird Die Toteninsel als eines der wichtigsten Werke des Symbolismus betrachtet. Von den ursprünglich fünf Versionen sind vier noch erhalten und in Museen zu sehen.
Der Titel „Die Toteninsel“ stammt nicht von Böcklin, sondern von seinem Kunsthändler Fritz Gurlitt, obwohl Böcklin in einem Brief selbst auch schon den Namen Toteninsel benutzte
Das Bild ist stark autobiographisch geprägt, das Thema Tod spielte in Böcklins Leben als auch in seinen Werken immer eine bedeutende Rolle. Er verlor acht seiner vierzehn Kinder; er erkrankte an Typhus und erlitt einen Schlaganfall. Ab der dritten Version versah Böcklin eine der Grabkammern in den Felsen mit seinen Initialen.
Auszug aus de.wikipedia.org/wiki/Die_Toteninsel
Tags: schwarze Romantik Dark Romanticism in Art Arnold Böcklin Die Toteninsel The Island of the Dead Kunstmuseum Basel
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Arnold Böcklin, Basel 1827 - San Domenico bei Fiesole 1901
Villa am Meer - Villa by the sea, 1871 - 1874
Das starke Abendrot des Scirocco – des mediterranen Wüstenwindes – bestimmt die Farbigkeit des Bildes. Die orangerot leuchtenden Fenster der Villa scheinen den herrschaftlichen Bau in Flammen aufgehen zu lassen. Die ebenfalls leuchtenden Wolken werden von schwerem dunklem Gewölk umgrenzt. Sie bilden einen aufgewühlten Himmel, dessen Dramatik durch die scheinbar schwankenden Bäume noch gesteigert wird. Dieser bewegten oberen Bildhälfte ist ein ruhiger unterer Bildabschnitt entgegengesetzt, in dem die Stille um den einsamen Moment der weiblichen Figur bestimmend ist. In diesem Widerspruch liegt die Essenz des Bildes: Durch die Gleichzeitigkeit dieser Gegensätze ist das Dargestellte jedem Momenthaften enthoben. Diese Entzeitlichung und das Vermeiden eines narrativen Inhaltes erschaffen eine sich im Stillstand befindende Szenerie. Nun kann der Betrachter eine Geschichte erträumen, die auf der ausgelösten Empfindung basiert: Einsamkeit und Trauer gepaart mit einer Unruhe angesichts der unabwendbaren Endlichkeit menschlicher Existenz. Somit wird das Bildmotiv zum Sinnbild der Gewissheit um den eigenen Tod.
Die „Villa am Meer“ gehört zu den wenigen Bildfindungen, mit denen Arnold Böcklin (1827–1901) selbst zufrieden war. Sein Mäzen Adolph Friedrich Graf von Schack hatte 1864 eine Skizze im römischen Atelier des gebürtigen Schweizers gesehen, deren düstere Stimmung ihn sogleich zum Auftrag bewegte. In vier weiteren Versionen verschob Böcklin immer wieder Bildelemente, so dass sich die fünf Varianten inhaltlich unterscheiden. Das Gemälde im Besitz des Städel Museums ist die dritte Version. In ihrer Entstehungszeit zwischen 1871 und 1874 schuf Böcklin auch das „Selbstbildnis mit fiedelndem Tod“ (1872). Bildlich veranschaulicht dieses Werk, dass der Tod sowohl im Werk des Malers als auch in seinem Leben stets anwesend ist: Als seine „Lieblingstochter“ Lucia stirbt, soll er ein Jahr lang nicht gesprochen haben. Auch mehrere seiner anderen Kinder versterben früh, drei werden geisteskrank. Egal in welche Stadt der Schweizer zieht, ob Basel, München, Florenz oder Zürich, überall herrschen Seuchen, mehrmals erkrankt er schwer. Doch nicht nur Krankheiten gefährden die Existenz: Nach Ausbildung an der Düsseldorfer Akademie zieht es Böcklin an die Académie suisse in Paris. Es ist das Jahr 1848. Gerade beruhigt sich das Leben nach der Februarrevolution, in der Bürger und Arbeiter vereint den restaurativen König gestürzt haben, da wendet sich die bürgerliche Regierung gegen das Proletariat. Die darauf folgenden Juniaufstände, die blutig niedergeschlagen werden, bilden die historische Geburtsstunde des Klassenkampfes.
Vor dieser Realität um Krieg, Tod und Krankheit flüchtet der bürgerliche Böcklin in das Ideal antiker und mythologischer Kunst, deren höhere Wirklichkeit er in Italien finden möchte. Damit widersetzt er sich auch dem aufkommenden Realismus in der Kunst, der sich dem industrialisierten, städtischen Leben nicht verwehrt. In den Werken der wirklichkeitsgetreuen Realisten und der mit Eindrücken arbeitenden Impressionisten zeige sich der Verlust seelischer Tiefe, so der Vorwurf der Symbolisten, zu denen auch Böcklin zählt. Die „Villa am Meer“ ist ein Beispiel jener Kunst, welche „die Seele erfüllen sollte“. Durch das Heraufbeschwören von Empfindungen wollten die Symbolisten die Seele wieder mit einer geistigen Wirklichkeit verbinden. Sie erhofften damit der gefährdeten Einordnung ihrer in die Ewigkeit entgegenzuwirken. Neben der Gewissheit um den eigenen Tod erfüllte Böcklin demnach auch die Gewissheit um diese ewige Wirklichkeit, die seine Seele aufnimmt. Seine Grabinschrift lautet entsprechend „Non omnis moriar“: Nicht ganz werde ich sterben.
Quelle: www.staedel.de
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Ary Scheffer, Dordrecht 1795 - Argenteuil 1858
Paolo und Francesca im Wirbelsturm - The Shades of Francesca di Rimini and Paolo Malatesta Appearing to Dante and Virgil (1854)
Kunsthalle Hamburg
What is your perception of Hell? Do you think of it as a huge furnace full of burning souls, or simply a place of deprivation? We do not know and I don’t believe we will ever know what it is like or whether it or its sister-place, Heaven, really exists and so with this lack of evidence we can then formulate in our own minds what it is all about without fear of contradiction. One person who did just that was Durante degli Alighieri, better known simply as Dante Alighieri.
In the first part (Inferno) of his epic poem entitled Divine Comedy he tells of his journey he made through Hell with the Roman poet Virgil acting as his guide. Many artists have painted pictures based on Dante’s Inferno with its concentric circles full of various types of sinners. To get to the gates of Hell Dante and Virgil had to cross the river Acheron which could only be achieved by being transported by ferry, piloted by Charon.
According to Dante, Hell is situated within the Earth, it is made up of nine circles of torment. The circles are concentric, and represent a gradual increase in evilness. The outer circle, or the first circle is the resting place of those who were never baptised, the second circle was for people whose sin was one of Lust. As Dante and Virgil moved inwards they came across circles which housed the souls who had committed the sins of Gluttony, Greed, Anger, Heresy, Violence, Fraud and Treachery. It is interesting to note that for Dante, an Italian male, those who committed the sin of Lust were only in the second circle, as presumably in Dante’s mind, Lust was not that bad a sin! The inner most part of this Hell ends at the centre of the earth, where Satan is held in bondage. The sinners who populated each of the circles were punished in a fashion fitting their crimes, a system of contrapasso; derived from the Italian words contra and patior meaning “suffer the opposite” a sort of poetic justice.
My featured painting today is about two lovers from Dante’s Divine Comedy who Dante and Virgil meet, trapped in the stormy darkness of the Second Circle of Hell (Lust). It is here that those overcome by lust during their time on earth have been sentenced to remain. Dante condemns them, and those like them, calling them “carnal malefactors” for letting their sexual appetites affect their reasoning. These hapless souls are blown to and fro by the terrible winds of a violent storm, without hope of rest and this symbolizes the power of lust to blow one about needlessly and aimlessly. It is here that Francesca da Rimini tells Dante the story of how she and her lover Paolo ended up in this Second Circle of Hell.
Francesca da Rimini and Paolo Malatesta are depicted in the painting by Ary Scheffer, which is entitled Dante and Virgil Encountering the Shades of Francesca da Rimini and Paolo in the Underworld or simply Francesca da Rimini. The story goes back to the time when Francesca’s father, Guido I da Polenta was lord of Ravenna but had been at war with a rival family, the Malatesta family. Peace between the two families finally came about and to cement their relationship Guido agreed that one of his daughters, Francesca, should marry Giovanni Malatesta, the son and heir of the Malatesta clan. Although Giovanni was an able man and would on the death of his father become ruler, he was ugly and deformed.
The friends of Francesca’s father told him that if Francesca was to set eyes on Giovanni prior to the marriage, she would never go through with it. So the two fathers hatched plan and sent Giovanni’s younger brother Paolo to Ravenna with authorisation to marry Francesca in Giovanni’s name. Paolo, unlike his elder brother was handsome and courteous and Francesca immediately fell in love with him. The marriage took place and the marriage contract signed and bride and bridegroom returned to Rimini, with Francesca still unaware of the deception.
In the morning following the wedding she became aware of the deception. She was furious that she had been deceived and to make matters worse she realised that she had fallen in love with Paolo. Giovanni left Rimini on business leaving Paolo and Francesca together and they both realised that they loved each other. Their lovemaking was witnessed by Giovanni’s servant who sent word to his master, who then secretly returned home. He went to Francesca’s room in which were the two lovers. He banged on the door and shouted her name. They recognised Giovanni’s voice. Paolo pointed to a trapdoor in the floor that led to a room below. He told Francesca to go open the door as he planned his escape. However as he jumped through the open trapdoor part of his jacket got caught on a piece of iron.
Francesca, unaware of his Paolo’s predicament, opened the door for Giovanni, believing she would be able to make excuses, now that Paolo was gone. When Giovanni entered the bedchamber he noticed Paolo caught by his jacket on the trap door. He immediately ran towards the trapdoor and with his rapier drawn thrust it at Paolo intending to kill him. Seeing what Giovanni intended to do, Francesca quickly ran between the two brothers to try to prevent it. But Giovanni’s rapier was already thrusting downwards towards the hapless Paolo but before it struck him the blade passed through Francesca’s bosom. Giovanni was totally distraught by what he had done for he still loved Francesca. He withdrew the blade of the sword from her body and immediately plunged it into his brother, killing him. The next morning, amidst much weeping, the two lovers were buried in the same tomb.
In the painting we see Dante and Virgil standing to the right hand side watching as the two, almost-naked, lovers cling to each other. Art critics at the time praised this exceptional work by Scheffer, and it was to become one of his most famous and most admired works. Scheffer went on to produce several replicas of it.
Source: mydailyartdisplay.wordpress.com/2012/05/15/francesca-da-r...
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